Aviso

Hi, everybody. In the next days we gonna have a new colaborator in this blog. The idea is to have an improvement in what we are doing here, that is to share more music and more musical genres with all you people. So just wait to see more and more music so everybody can enjoy what they like, but also to dare into listen new genres or performers, and not only what we are alwayls listening. And not forget to let a comment if you have downloaded an album. Cheers.

Estimados amigos que visitan este blog. En próximos días tendremos un colaborador que enriquecerá estas páginas, para deleite no sólo mío, sino principalmente de ustedes. La intención, como pueden imaginar, es la de ver un mayor enriquecimiento en la música que aquí se comparte con ustedes y tener la oportunidad de acercarse a la mayor cantidad posible de música y géneros musicales para que ustedes puedan disfrutarlos sin límite. Así pues, estén pendientes de esta nueva etapa de colaboración. No olviden dejar sus comentarios si bajan un disco y les agrada.

Nazca [1986 MEX] Estación de sombra

Nazca grabó su segundo disco en julio de 1986, y comparativamente hablando es una producción mucho más cuidada y madura que su disco debut. Estación de sombra es probablemente el disco de rock en oposición más notable grabado no sólo en México, sino probablemente en Hispanoamérica. Con un sonido que remite directamente a Univers Zero y a toda la tradición de música de cámara atonal de la escuela de Viena de los albores del sglo XX (Schoenberg, Berg, Webern), Nazca marcó un antes y un después en el prácticamente inexistente panorama del rock en oposición en México con este segundo disco, pues ningún grupo antes, y ciertamente después tampoco, se había atrevido a buscar y alcanzar un nivel interpretativo tan poderosamente evocador y poético a la vez que complejo. Lidereados por el violinista Alejandro Sánchez en el violín y Cuauhtémoc Novelo en las percusiones, Nazca fue un grupo único en la historia del rock de vanguardia en México, pues la sólida formación de conservatorio es absolutamente obvia en estas complicadas composiciones que, sin embargo, aunque están relacionadas con la música de cámara del neo-clasicismo, también abrevan en la tradición vanguardista del rock y de la música experimental. El disco no sólo representó un avance considerable en cuanto a solidez interpretativa y compositiva con respecto al disco previo, sino incluso en el ámbito de la producción y grabación, pues la calidad de este segundo disco es mucho muy superior a la de su álbum debut. Poético y oscuro, evocador y abrumador, Estación de sombra es una obra maestra del rock en oposición que transita entre la música de cámara y la música atonal, pero sobre todo, es un álbum lleno de atmósferas poéticas y de ensueño que sugiere pesadillas y mundos imposibles.

Nazca recorded their second album in 1986 and this album was a considerable effort and improvement compared with their debut album. Its considered by many as a masterpiece of r.i.o. movement, and of course is a cult album that still today provoque serious reactions in those who dare to listen to. A must have album that reminds some other groups as Univers Zero and Art Zoyd, Nazca is a powerful listening experience for anyone. Do not hesitate downloading it.

Brahms ٠ Symphonies 1-4 ٠ Celibidache

Toca el turno a uno de los grandes. Más bien, a uno de los más grandes directores de orquesta del pasado siglo. Sergiu Celibidache fue una celebridad en vida, que provocó no escasas polémicas. Para quienes vivieron en Europa, asistir a sus conciertos era casi una religión, pero para quienes vivimos allende el Atlántico, tales polémicas nos eran ajenas y no fue sino hasta después de su fallecimiento, cuando comenzaron a aparecer grabaciones de sus conciertos, a lo que él tanto se opuso en vida, que muchos pudimos descubrir sus magistrales dotes como director. Para quienes todavía no lo hayan escuchado, les dejo aquí el ciclo completo de las sinfonías de Brahms, aunque hay que decir que este ciclo no corresponde strictu sensu a la fama que Celibidache tuvo en vida, de modo que son poco representativas de su estilo personalísimo y único al frente de una orquesta. No obstante ello, son perfectamente disfrutables.

Its time to get time with one of the most important conductors from past Century: Sergiu Celibidache. This is the full Brahms' cycle of symphonies, and of course its a delicious adventure to listen here. Nevertheless, these cycle its not entirely representative of Celibidache's style of conducting, but you can enjoying perfectly. So please, enjoy. As usual, link is in comments and the full CDs are in one file ready to download.

Minimalismo, unas pocas palabras

El minimalismo es un movimiento estético que abarca principalmente artes más bien de carácter abstracto, esto es espacio-temporales, como la pintura, el diseño, la arquitectura, y la música. Sus características son las de reducir a sus trazos más escenciales aquellos elementos constructivos de la obra o producto que se trate. Como movimiento estético se le identifica como una reacción particularmente neoyorkina al arte vanguardista, extremadamente experimental y complejo de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX. Aunque no se ha tratado nunca de un movimiento organizado y esquemático como otras vanguardias precedentes, se le considera una de las manifestaciones estéticas más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Steve Reich

Como movimiento estético, es inevitable ver antecedentes en artistas como Piet Mondrian, y en el Lejano Oriente, es decir Japón. Los jardines de piedra, el arte zen, la austeridad budista, pueden considerarse como antecedentes remotos, y probablemente no relacionados, de este movimiento. Sin embargo, arquitectos como Luis Barragán o Tadao Ando podrían ser considerados como precursores del minimalismo por cuanto su trabajo parte de elementos desnudos y despojados de ornamentos externos y el uso del espacio como un elemento primordial del trabajo arquitectónico.

Philip Glass

Mientras el minimalismo alcanzó cierta notoriedad en arquitectura y diseño en las postrimerías del pasado siglo a través de diseños y presencias más bien desnudas, sin adornos casi, en el ámbito donde más sólidamente se ha desarrollado ha sido en el de la música. Sin un programa estético a la manera de los movimientos vanguardistas, el minimalismo se diferenció de estos movimientos también por no ser un movimiento de corte programático. Aun así, ha sido tan influyente, o incluso más, que movimientos programáticos como el surrealismo o el expresionismo, y ha llegado ha influir, incluso, a géneros musicales como el rock o el jazz. Es así que músicos como Mike Oldfield, quien hace una mezcla de rock, folk, música celta, pop, jazz y música sinfónica, empezó con obras que podrían perfectamente encuadrarse en este género. El tecladista de Tangerine Dream, Peter Baumann, tituló uno de sus primeros trabajos solistas, de 1981, Repeat Repeat; el pianista y jazzista noruego Ketil Bjørnstad igualmente tiene tendencias minimalistas, lo mismo que Keith Jarrett. El guitarrista inglés Robert Fripp y el arreglista, compositor y letrista Brian Eno igualmente tienen una abierta tendencia a estructuras musicales de corte minimalista.

John Adams

El minimalismo como tal se basa en el uso de una armonía constante, en repeticiones de lentas, y a veces lentísimas, frases musicales breves con variaciones mínimas en periodos de tiempo bastante extensos, efectos hipnóticos debidos a esta repetición, estasis, un impulso constante, entre otras características. Sus principales representantes son hoy inmensamente conocidos, pero sin duda el más popular de todos es Philip Glass, quien ha incursionado con gran éxito en el orbe de la música para películas y en la musicalización de canciones de algunos autores de culto entre ciertos ámbitos de la música pop y rock, además de escribir obras sinfónicas, cuartetos de cuerdas e incluso varias óperas. Por su parte Steve Reich, considerado como uno de los pilares del género, incursionó con éxito en el jazz, siendo uno de los artistas emblemáticos de la disquera ECM. Terry Riley, otra de las figuras emblemáticas del minimalismo, ha incursionado en el mundo de la música ambiental y de cámara con gran éxito. Y probablemente el más respetado de los compositores de este estilo sea John Adams, cuyas obras han dado la vuelta al mundo, y cuyas óperas son consideradas como las más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Por supuesto, el minimalismo ha influido en muchos autores, como Tan Dun, quien no siendo propiamente un compositor minimalista, ha reconocido abiertamente su deuda con los cultivadores de esta técnica. Los ya mencionados Mike Oldfield, Ketil Bjørnstad, Keith Jarrett, Robert Fripp, Brian Eno, junto con otros compositores y grupos como Tangerine Dream, David Bedford, entre una larga pléyade de compisitores y músicos, son artistas que se han nutrido del minimalismo y cuya obra y trabajo aún hoy genera grandes expectativas y no escasas sorpresas.

Mencionar en este listado a Tangerine Dream significa reconocer una de las influencias más notables de esta escuela musical, pues este tipo de repeticiones y ambientes hipnóticos caracterizan muy bien el asombroso trabajo de este trío de músicos alemanes, cuya labor, por su parte, ha pasado de la vanguardia de las postrimerías de los años 60 y buena parte de los 70 a un sonido más estructurado, más visionario, como de ensueño y fantasía, de la década de los años 80. Su trabajo generó el surgimiento de lo que hoy se conoce como ambient, un género downtempo, pero igualmente en la escena electrónica de las pistas de baile, donde el género llamado trance le debe muchísimo a ellos, sino incluso el género minimal, que igualmente se basa en estructuras y armonías desnudas así como largas cadenas de frases repetidas y con mínimas variaciones.

Así, el minimalismo ha sido probablemente una de las más fructíferas aventuras musicales de la segunda mitad del siglo XX, y contrario a lo que hasta antes había sucedido, que la música clásica, o culta, se alimentaba de la música popular, aquí vemos cómo la música clásica, o culta, terminó por influir y enriquecer muchas vertientes de música popular, aunque todas las mencionadas (con excepción de la electrónica de las pistas de baile) ni sean strictu sensu populares ni sean mainstream.

Inti-Illimani [1973a CHIL] Canto de pueblos andinos

Esta vez toca el turno a uno de esos géneros que son fundamentales en la identidad de América Latina, en particular de América del sur. El folclor tradicional, llamado usualmente folclor sudamericano, tuvo, y tiene aún, en los chilenos Inti-Illimani a uno de sus más notables exponentes, con la diferencia de que sus integrantes eran egresados del conservatorio, y eso se notaba en sus interpretaciones, notablemente superiores a cualquier otro conjunto. Adicionalmente, Inti-Illimani fue un grupo con una clara consciencia política, y su trabajo no se limitó a rescatar la tradicional música andina, sino a enmarcar los géneros populares en un ámbito de renovación y de compromiso político como probablemente ningún otro grupo lo hizo. Canto de pueblos andinos fue el primero de varios discos dedicados a rescatar y renovar las tradiciones musicales indígenas del sur del continente. Espléndidamente interpretado, es un deslumbrante ejercicio de renovación musical lleno de atmósferas tradicionales poderosamente evocadoras y poéticas.

Inti-Illimani was, and still is, one of the most representative Southamerican folk music groups that make a fussion not only among genres, but also among political comitement, with a strong left wing ideas, which lead them to exhile in 1973 whe Salvador Allende's regime ended tragically with a bath of blood. This album shows their supreme skills to play traditional music with a powerful and poetic air that strikes the soul. A very fundamental album of traditional music that you will gonna love.

Philip Glass Ensemble ٠ Live in Monterrey

Toca el turno a más música relacionada con México, así sea porque fue interpretada en suelo mexicano. Es el caso concreto de este magnífico álbum doble. Grabado durante la gira latinoamericana del Philip Glass Ensemble en 2006, cuya visita a nuestro país causó cierto furor entre los enterados, tiene la particularidad de que no fue grabado en Ciudad de México, en el Palcio de las Bellas Artes, donde dieron dos funciones, sino en Monterrey, en la región septentrional del país. Este solo hecho marca un hito en la historia de las grabaciones en México, que usualmente sólo registran los conciertos en la capital. La calidad de sonido es excepcional, y naturalmente interpretaron únicamente música de Philip Glass, quien dirigió todos los recitales. El minimalista más popular interpretando sus propias obras, en una grabación de primer nivel es más que una delicia. Ciertamente, debe haber muchos que piensen que el minimalismo es un género no para todos los gustos, y tendrán razón. Pero creo que hay algunas excepciones, y este álbum doble lo es. Para los no iniciados, puede ser una buena oportunidad para acercarse al minimalismo, que más que un estilo es un procedimiento compositivo -pero eso sería entrar en terrenos ajenos a este blog. Como siempre, el link de descarga está en los comentarios.

Julián Carrillo ٠ Preludio a Colón, Balbuceos, Horizontes

El disco que ahora comparto no es un disco cualquiera. Se trata de tres obras de enorme dificultad no sólo interpretativa sino auditiva, ya que en Occidente no estamos muy familiarizados con los semitonos. Sean bienvenidos al orbe sonoro de Julián Carrillo, un compositor mexicano cuya obra aún hoy en día es escasamente conocida, más escasamente interpetada, y por lo mismo, muy rara vez escuchada. Sin embargo, para quienes tiene un mínimo de curiosidad al menos dos obras marcan la trayectoria de este compositor nacido en San Luis Potosí en 1875: Preludio a Colón, una obra deslumbrante, y la Misa en cuartos de tono dedicada al Papa Juan XXIII. De estas, sólo la primera está incluida en esta grabación, que fue realizada en París por la Orquesta Lamoreux para la disquera Philips en los años 50. Se trata de tres obras llenas de una atmósfera como de ensueño, llenas de plasticismo y una atmósfera poética irresistible, con un lenguaje musical inexplorado en Occidente. A la fecha, es realmente raro escuchar música suya en estaciones radiofónicas, y más raro aún escucharlas en concierto. La obra de Julián Carrillo es una joya que merece mayor difusión y una mejor recepción entre el público, más allá de los juicios, propósitos y despropósitos de sus colegas músicos hoy en día.

Preludio a Colón, en ¼, 1/8 y 1/16 de tono para conjunto instrumental y soprano
ANNIK SIMON, soprano

Balbuceos, para piano de dieciseisavos de tono y orquesta de cámara

BERNARD DE FLAVIGNY, piano
Orquesta de Asociación de Conciertos Lamoreux

Horizontes, Poema sinfónico para violín, violonchelo y arpa de 1/16 de tono con acompañamiento de orquesta

GABRIELLE DEVRIES, violín
REINE FLACHOT, violonchelo
MONIQUE ROLLIN, arpa
Orquesta de Asociación de Conciertos Lamoreux

Julián Carrillo is a Mexican composer best know for haven creating what people calls 13th Sound, a new compositional procedure that takes as point of departure semitones. This makes that his works takes a very revolutionary tone and perspective, that probably non other composer ever has take of his own. His compositions are full of visionary atmospheres, with a dense poetic sense of sound, and a profound touch of humanity that moves so deep that you will never believe. Its a very deep musical experience to listen to it, that allows you to explore the most deep zones of ourselves through this almost mistic music. You will never regret to listen this masterpieces.

Blind Boys of Alabama [2001 US] Spirit of the century

Lo prometido es deuda. Toca el turno a un disco absolutamente deslumbrante y conmovedor. Así es como debe de haber surgido toda la música popular que se escucha en Occidente desde hace más de siglo y medio, y probablemente más: rock, jazz, twist, pop, absolutamente todos los géneros hoy conocidos, provienen de la experiencia que esta música dejó en sus orígenes: el Gospel. Que a su vez es el origen del Blues, del cual se desprendieron todos los demás géneros musicales. Es muy probable que hace más de dos o tres siglos atrás, en los campos algodoneros de Louisianna y todo el sur de Estados Unidos, los esclavos se reunieran en las noches, a la luz de un quinqué o de candelabros a cantar alabanzas al Señor. Probablemente primero en grupos pequeños, seguramente familiares, ya fuera en los porches de sus casas, o en los graneros, y poco a poco comenzaron a reunirse amigos, compañeros de faena, a elevar alabanzas al Señor. Los amos blancos, ignorantes como casi siempre, seguramente no entendían por qué sus esclavos cantaban alabanzas al cielo, pero esa música acompasada, melancólica, triste y a veces alegre, con textos religiosos de la Biblia luterana, pronto llegaron a las reuniones religiosas, y el Gospel se expandió como reguero de pólvora. Hoy en día, toda la música que escuchamos en las estaciones radiofónicas proviene, de una forma u otra, de aquellos campos algodoneros, fruto de la nostalgia, las tristezas y las dichas de aquellos jornaleros negros. Ningún otro género popular, auténticamente popular, ha tenido tal éxito. Todo lo que oímos viene de allí. Y este disco lo demuestra con bellísimas canciones religiosas que conmueven el alma, que tocan los más íntimos resortes de quien lo escuche. The Blind Boys of Alabama es un grupo surgido en los años 30, justamente en Alabama, fruto de un programa social que buscaba ayudar a los ciegos de origen negro para que pudiesen dedicarse a algo provechoso y digno. Y no hay nada más digno que cantar y tocar el alma humana. ¡Y cómo lo hacen! No por algo este disco lleva por título Spirit of the century, porque en efecto, más que un signo, esta música es el espíritu de todo un siglo de música: el Gospel, el Blues, en estado de gracia. Sencillamente un disco de una belleza abrumadora. Maravilloso de principio a fin, es una joya deslumbrante que recomiendo escuchar a media luz, acompañado de un tarro de cerveza y un cigarro, a fin de liberar el alma. No tengo más palabras para este disco más que se trata de una interpretación superlativa, fuera de serie. No se lo pueden perder.

The Blind Boys of Alabama is a musical group that born in the 30s of the past century as the fruit of a social program to help and improve the live of blind negro peoples in the Southern USA. This album is an absolute masterpiece, and it shows that all popular music that we can hear in radiostations today, comes from here, from Gospel and Blues, from that cotton fields where slaves working endlessly and in the night they reunited to sing and pray the Lord. Amazing performance, brilliantly well singed, this is an authentic musical jewell that anyone can and must enjoy.

Bach ٠ The Goldberg Variations ٠ Uri Caine Ensemble

Mientras escucho un disco en verdad asombroso y conmovedor (prometo que mañana lo subo para que lo escuchen), les comparto una absoluta joya. Se trata de una obra sumamente curiosa por sí misma. Las Variaciones Goldberg de Bach son una de las cúspides para teclado que escribiera, y en ningún sentido se trata de un conjunto sencillo de tocar, y sin embargo es probable que sea la más popular obra completa que aún hoy en día escuchan con inocultable placer melómanos de todo tipo, desde los avezados hasta los noveles. Es probable que esto se deba no sólo a la belleza misma de la obra, sino a dos factores fundamentales: la memorable interpretación que de ella hizo Glenn Gould en varias grabaciones, y el hecho de que varias de esas interpretaciones aparecieran en múltiples películas, como en Silence of the Lambs, por ejemplo. Y sin embargo, ningún tecladista podrá decir que sea una obra de sencilla interpretación. Por el contrario, su dificultad interpretativa no parece estar directamente relacionada con la belleza y sutileza de la melodía. Y en eso tal vez radica el genio absoluto de Bach. A mediados del pasado siglo, tanto en París como en Nueva York un grupo de jazzistas descubrió que de esta obra se podían hacer arreglos para, justamente, los sincopados ritmos del jazz, y esto hizo que la obra rompiera la barrera de las salas de conciertos y las grabaciones correspondientes. De repente Bach podía estar en un club al lado de cuatro músicos tocándolo de una forma inimaginable hasta entonces. Y recientemente el músico alemán Uri Caine decidió afrontar desde una perspectiva musical nueva la obra del gran genio. Pero la forma en que Caine aborda la partitura es aperentemente de un tono tan radical que uno se sorprendería al escuchar este disco. Uri Caine decide tomar la obra y fusionar y vincular prácticamente todos los géneros musicales a su alcance con la obra de Bach, como si bach fuese el precursor de todo lo que hoy es posible escuchar: no sólo jazz, sino rock, blues, gospel, electrónica, drum 'n bass, salsa o jazz latino, Dixieland, Kreltzmer, música renacentista, romántica, vals, electrónica, bossa nova, tango, minimal, techno, y prácticamente todo lo que se les pueda venir a la mente: Bach, Vivaldi, Handel, Rachmaninoff, Mozart, Verdi, Monteverdi. El resultado es un verdadero delirio, impresionante, deslumbrante, no apto para oídos amaestrados en cualquier género al uso. Es un verdadero reto para cualquier persona. Pero el resultado es en verdad asombroso. Lo vuelovo a decir: deslumbrante, apabullante.

Dije que la lectura de Uri Caine es aparentemente radical, pero esto no es del todo cierto. Aunque el jazz ya se había acercado a Bach, no lo había hecho de manera tan radical como aquí. Pero ya antes alguien se había acercado a este corpus, es decir la música clásica y la música popular que alimenta a aquélla, desde una perspectiva tan radical, o tal vez incluso más aún que aquí. Me refiero a los españoles Eduardo y Gregorio Paniagua, con discos sobre la folía o sobre el fandango (por cierto, si alguien tiene este último y deslumbrante disco, por favor compártalo, súbalo a la red para que empiece a circular, ya que hace años que está descatalogado). Así que tampoco perdamos el piso, por favor. Pero igual, el resultado es apabullante. No digan que no se los dije. Como siempre, el archivo está configurado para iTunes, el sonido está ligeramente mejorado, y contiene la portada incluida. El link para la descarga en un solo archivo, como siempre, en los comentarios. ¡Y que el delirio empiece! ;)

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The Goldberg Variations is probably the most beloved and famous work written ever by Bach. But this popularity is not directly related with the easiness of the whole work. By the contrary, is one of the most intrincated and complex to be played by a single performer. Probably this popularity is due to jazz arrangementes that both in Paris and New York where made by musicians that discovered that Bach could leave out theaters and halls to be performed in the dark and smokey atmosphere of clubs and other places, accompained by a cup of wine. But probably who made the most to made popular was Glenn Gould, with his astonishing performances of this brilliant work, and the post use of this performances in the soundtrack of many films, such as Silence of the Lambs. Recently Gemran jazzist uri Caine took the enterprise of reinvented this magnificent partiture, and to take further on the reading of Bach. The result is absolutely astinishing, becuase Caine reading on bach is to propose that everything we listen today, all kind of music, was invented by Bach, or was already in bach, as you preferred to considered: Salsa, Blues, Kreltzmer, Jazz, Rock, Drum 'n Bass, Rock, Dixieland, Tango, Latin Jazz, Electronic, Waltz, and even other composers, such as Mozart, Verdi, Vivalid, Monteverdi, Rachmaninoff, Handel, as well as other posterior classical periods as Romanticism, and Classicism, as well as priors such as renacentist, Medieval, and of course Baroque. What we got after this mixture? An absolute musical delirium, a piece of art full of genious, that defies our sense of unity and tradition, unifying all kind of generes. In a few words: you need to listen this album to believe what Caine does. Astonishing and brilliant, this is a must have album. And I know, I always say the same, but believe me, all the albums in this blog are Must-have, even if you think they don't.

Vivaldi ٠ Concerti per Violino [Live] ٠ Mullova, Antonini, Il Giardino Armonico

Antonio Vivaldi es probablemente el compositor italiano más popular entre el público no conocedor. Su nombre es más conocido que el de muchos de sus contemporáneos, compositores más dotados y con mayor profundidad musical que él, como Bach. Ello no es una crítica, por supuesto. Su música es sencilla y placentera, y en esa enorme sencillez radica su fuerza de seducción. La grabación que ahora comparto con ustedes es otro bootleg, cuya fuente es una transmisión radiofónica. Esto signfiica que no hay posibilidad alguna de comprarlo en forma de disco.

Los intérpretes de esta interpretación no podrían ser más exquisitos. En el violín principal tenemos a Viktoria Mullova, acompañada por la orquesta de cámara italiana Il Giardino Armonico, bajo la batuta de Giovanni Antonini. Se trata de una espléndida interpretación grabada en vivo en Lugano, en el Palacio de Congresos, el 14 de marzo de 2008. Las obras interpretadas fueron las siguientes:

1-3 Concierto para violín en Mi menor, R. 281

4-6 Concierto para violín en Do mayor, R. 187

7-9 Concierto para 4 violines en Si menor, R. 580

10-12 Concierto para laúd en Re mayor, R. 9

13-15 Concierto para violín en Re mayor, R. 208

Si bien usualmente Il Giardino Armonico suele interpretar de una manera sumamente libérrima y a veces arriesgada lo que se le presenta, por lo que no siempre resulta del agrado de quienes los escuchan, en este caso hay que decir que estamos ante una interpretación alejada de esa escuela, alejada icluso de los tonos Harnoncourtianios que a veces caracterizan a esta esplpendida orquesta. A descargar sin culpa por derechos de autor ni nada por el estilo.

Il Giardino Armonico, Viktoria Mullova, Giovanni Antonini

VA ٠ Live at Bruxelles, Palais des Beaux-Arts ٠ Kosena, Daniels, Kammerorhester Basel

El mundo de la música clásica es abiertamente refractario a los bootlegs. Lo que ahora les ofrezco es, justamente, uno de esos extraños casos en que podemos tener una grabación que corresponde a este término. Pero, muchos se preguntarán, ¿qué diablos es realmente un bootleg? Que el ámbito de la música clásica no sea muy afecto a este tipo de grabaciones es producto de un malentendido y que está relacionado con esta idea absurda, hasta cierto punto, de que una interpretación deb ser perfecta o no ser. Un bootleg es cualquier grabación que no proviene del estudio de grabación, y que sigue todo el proceso de producción y postproducción que los discos profesionales, comerciales, suelen llevar. El bootleg es una grabación generalmente de una interpretación en vivo de un grupo, y puede haber diversos tipos de grabaciones, que se pueden dividir en tres grandes grupos. Los llamados Soundboard, que son extraídos directamente de la consola mezcladora, y cuya calidad suele ser de buena a excelente; en este caso se hallan también los llamados Soundchecks, que son tomas de sonido preliminares. Un segundo grupo importante son las transmisiones radiofónicas, cuya calidad suele ser muy similar a las anteriores, pues además cuentan con la autorización del grupo para su difusión. Y un tercer grupo son las grabaciones hechas directamente por el público, cuya calidad suele varias, desde muy pobres hasta algunas, escasas, excepcionales. En este último caso, nunca son grabaciones con equipo profesional. Pero en todos los casos, el bootleg es una suerte de cápsula de tiempo que captura un momento que, ocasionalmente, puede ser histórico, pero en general son un tesoro para los segudires del artista, la oportunidad de tener un concierto muy especial. El valor histórico de muchas de estas grabaciones son innegables: el último concierto de un grupo con un integrante dado, por ejemplo, el último concierto de The Doors en Dallas en 1969, antes de que partieran a París y Morrison falleciera allá; o el último concierto de Led Zepelin, en Berlín en 1980, anes de que John Bonham falleciera; o un concierto que marca un hito en la historia de un páis, como el concierto de Rod Stewart en México en 1989. mewnciono todos estos conciertos no sólo por cuestiones históricas, sino como un compormiso de subirlos a esta página en fechas próximas.

En mi opinión, un bootleg es un documento histórico invaluable, más aún que una producción de estudio bien cuidada. En términos no sólo históricos sino incluso sociológicos, le permitirían a un historiador y a un sociólogo advertir muchas cuestiones relacionados con la evolución del discurso musical, con las relaciones sociales, entre otras cuestiones. Que la música clásica sea refractaria a este tipo de grabaciones es realmente lamentable, porque haciendo un ejerccio histórico ficticio respecto a asuntos torales en la historia musical le permitiría a los historiadores, musicólogos y estudiososde la música tener documentos de un invaluable valor. ¿Puede alguien imaginar lo que significaría en estos términos contar con una grabación del estreno de la Novena sinfonía de Beethoven? ¿O de la vez que Bach tocó el primer pianoforte? ¿O grabaciones de interpretaciones de diversos periodos históricos que aclararían cuestiones sobre cómo se interpetaban no sólo las obras, sino cómo evolucionó el concepto de dirección orquestal? Porque respecto del siglo XX tenemos una idea por las grabaciones que nos han legado grandes maestors, pero de los 200 o 300 años previos realmente no tenemos nada. Este ejercicio ficticio puerde dar una idea del inemnso valor que esta clase de documentos tendrían. Los conocedores de la historia de la música clásica de los últimos tres siglos pueden imaginar cualquier cantidad de momentos históricos a los cuales un bootleg daría puntual respuesta.

Así pues, pasando a este disco, tenemos la reunión de la espléndida soprano Magdalena Kozena y el contratenor inglés David Daniels, la Orquesta de cámara de Basilea bajo la batuta de Paul Goodwin, tocando un magnífico recital con obras barrocas que abarcan Telemann, Handel y Purcell. Les dejo a ustedes la valoraión de este magnífico bootleg.

TELEMANN Ouverture (Tafelmusik 3. Produktion)
HANDEL Fammi combattere (Orlando)
PURCELL Thy hand, Belinda (Dido and Aeneas)
TELEMANN Bergerie (Tafelmusik 3. Produktion)
HANDEL Io t'abbraccio (Rodelinda)
TELEMANN Alégresse – Postillons (Tafelmusik 3. Produktion)
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CORELLI Concerto grosso n° 3
HANDEL Pompe vane di morte... Dove sei (Rodelinda)
Se in fiorito ameno prato (Giulio Cesare)
TELEMANN Flatterie (Tafelmusik 3. Produktion)
HANDEL Scherza infida ; Dopo notte (Ariodante)
TELEMANN Badinage – Menuet - Conclusion
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BIS/ZUGABEN/ENCORES
PURCELL Sound the trumpet
HANDEL To thee, to thee (Theodora)
MONTEVERDI Pur ti miro (L'Incoronazione di Poppea)

Magdalena Kozena
David Daniels
Kammerorchester Basel
Paul Goodwin

Bruxelles, Palais des Beaux-Arts, 21 novembre 2005

Al Stewart [1979 UK] The Live Radio Concert Album

A Al Stewart le debemos una de las más hermosas y popualres canciones de los últimos cuarenta años, Year of the cat, porque este año, precisamente, Al Stewart cumple cuarenta años de carrera musical ininterrumpida. Para conmemorar tal trayectoria, hoy comparto con ustedes un disco inédito de este gran compositor, cantante, pianista y guitarrista, amante de los vinos y de las buenas canciones. Este es el nunca editado oficialmente álbum en vivo de Al Stewart, del que sólo se imprimieron dos mil 500 ejemplares para los fans más cercanos al compositor, lo que significa que estamos ante otro bootleg, tal y como lo prometí en la entrada anterior.

No existe oficialmente un álbum en vivo de Stewart, aunque en algunas antologías aparecieron algunas pocas de las pocas canciones que incluye este magnífico disco, que es el fruto del disco inmediatamente posterior a Year of the cat, Time passages. Sólo les puedo alentar a que lo descarguen y lo escuchen, puesto que no hay forma de comprarlo en tienda alguna, salvo que alguien lo subastara.

In the straight sense of the word, this is another bootleg. This time from non other than mr. Al Stewart, British composer, guitar and piano player, who write one of the most beautiful and popular songs of the last 40 years: Year of the cat. This album is the never officially printed live album from the Time passages tour, and it allows to listen in a live performance songs from both previous albums. This is one album that you will never find in some CD store or online store, so don't hesitate and download it. You will never regret.

Tengerine Dream [1982 GER] Dominion

Tanto esta entrega, como las dos subsiguientes, serán verdaderas sorpresas. Son discos que son prácticamente imposible de coneguir no sólo en México, sino probablemente en todo el mundo de habla hispana. El primero de ellos es un disco inédito de los llamados, con toda justicia, padres de la música electrónica, y que en el ámbito germánico llevan el nombre técnico de Krautrock. me refiero a Tangerine Dream. Auténtico grupo de culto, Tangerine Dream es uno de los grupos más prolíficos de la historia, con más de 90 discos desde su fundación, en las postrimerías de los años 60. Este es uno de esos productos fruto de la pasión de los fans del grupo. Se trata de un bootleg previo a la edición definitiva de su magnífico disco de 1982, Logos, en el Teatro Dominion, de Londres. Logos es uno de mis tres discos favoritos de este espléndido trío, y el valor de esta grabación estriba en que nos permite escuchar versiones distintas a las del disco original. De hecho, el nombre técnico de Soundchecks indica, claramente, que se trata de pruebas acústicas preliminares, extraídas de los recitales previos. De ellas el grupo decide cuál será la definitiva para la postproducción y edición definitiva del álbum. Esta es una grabación realizada por un fan que llevó una grabadora portátil, por lo que técnicamente no es lo que en el ámbito del registro sonoro se denomina un Soundboard, es decir una grabación salida de la consola de mezclas, sino una toma del público. Pero su calidad sonora es en verdad envidiable, es en estéreo, no monoaural, y es un trabajo en verdad admirable. Del lado de Tangerine Dream, la experiencia es en verdad magnífica, y las versiones de Logos contienen innumerables pasajes nunca antes grabados en disco alguno, y psajes de otros discos de la época, en particular de los espléndidos White Eagle y Exit (que prometo compartir próximamente). Sin duda, una joya que deleitará a los conocedores. Y lo que no, deberían darse la oportunidad de escuchar otro tipo de música. Como siempre, el archivo está configurado para iTunes, con una ligera mejora en el volumen general de reproducción.

1. Logos, inedit version (includes Choronzon [@ 33:00] and others) 44:54

2. Mojave Plan [Logos @ 11:00] 48:11

3. Logos pt.2 3:34

4. Midnight in Tula (encore 1) 4:38

5. White Eagle (encore 2) 5:30

6. Dominion (encore 3) 6:43

This time I shared an awesome album from non other tha German elecronic trio Tangerine Dream. But don't worry, this one, as well other 93 Tangerine Dream albums, was made specially to be shared. This is an excelent recording by audience from one of the Dominion concert in 1982, from which they made, in that same year, ther absolute masperpiece Logos. This album show us a previosus versions of this awesome official album, and allows to check out a great performance from Tangerine Dream at one of their best moments, and in my opinion, at their pinackle of their musical skill. This is definitively a must have album. As usual, is in mp3 format, configurated for iTunes, with a little enhanced quality sound. So, just enjoy!

Tangerine Dream Live in America 1992 - Logos

Il Paese dei Balocchi [1972 ITA] Il Paese dei Balocchi

Probablemente uno de los discos más sorprendentes del año de gracia del rock progresivo italiano, es decir de 1973, sea éste: Il Paese dei Balocchi. Un cuarteto formado por Armando Paone, en la voz y teclados (que incluye un órgano de catedral), Fabio Fabiani, en las guitarras, Marcello Martorelli en el bajo, y Sandro Laudadio en las percusiones, batería y voz, sólo alcanzaron a grabar este álbum. Pero, ¡puffff! Qué señor álbum. Se trata de uno de los más ambiciosos proyectos jamás desarrollados por algún grupo en esa época, que incluye no sólo la clásica formación del grupo de rock, sino también acompañamientos orquestales y con cuarteto de cuerdas, pasajes coral-sinfónicos, y una compleja y densa atmósfera barroca que no tuvo ni tiene paralelo. Basado en una libre interpretación de algunos pasajes del Pinocho, de Carlo Collodi, es un ejercicio de auténtico rock sinfónico, que muestra un aspecto bastante alejado de las porquerías comerciales que tradicionalmente el cine (en especial Hollywood) y la televisión suelen mostrar de este libro, dando como resultado una atmósfera un tanto sombría, así como de cualquier ñoñez comercial dirigida a niños mensos o iletrados. La realización es absolutamente deslumbrante, la mamnera en que se alternan los pasajes sinfónicos, corales, progresivos, rock, con pasajes abiertamente fugados (como en el coral final con el órgano a todo lo que da), dan como resultado un producto musical sobrecogedor, deslumbrante, y fascinante, que obligará a cualquiera que se atreva a escucharlo, a releer el Pinocho con una nueva mirada. Por su carácter sinfónico, el álbum ha sido a veces comparado con otros discos de corte similar, es decir con tendencias abiertamente sinfónicas, como el célebre Contaminazione de Il Rovescio della Medaglia. Sin embargo el parentesco termina ahí: en la tendencia sinfónica. Porque de hecho Il Paese dei Balocchi es superior en todos los aspectos: compositivos, de arreglos orquestales, de interpretación, etcétera, pero sobre todo en el tema, mucho más oscuro, denso y pesimista que el abiertamente Kitsch y fantasioso de Il Rovescio. Además, a diferencia del de Il Rovescio, aquí la música fue escrita por los propios integrantes del grupo, mientras que la de aquél fue escrita por Luis Enrique Bacalov, quien escribió al menos otros tres o cuatro partituras totalmente Kitsch para New Trolls (los famosos Concerto Grosso 1 y 2), Ossana, y otro más, todos igualmente Kitsch e insoportables a la larga. Así que, a bajar de inmediato, y a disfrutarlo. No se van a arrepentir. Una obra maestra indiscutible.

Por cierto, para quienes deseen leer más sobre el grupo, aquí encontrarán una entrevista con Fabio Fabiani, el guitarrista original del grupo: www.italianprog.com/a_paesedeibalocchi.htm

This is one of the jewels of the Italian progresive crown. An absolute masterpiece that takes as point of departure some passages from Collodi's Pinochio, as a very free interpretation of the text, but also as a way of deepener both into the literary text as well the musical text. This extraordinary album combines the classical lineup of the rock group: Bass, Drums, Guitars, Keyboards and vocals, but also mixture chamber music in the fashion of a String Quartet, Symphonic passages, a very barocque atmosphere, that includes a final fuga performed by a Cathedral Organ, and choral passages, with powerfull symphonic rock passages. This is an absolute must have album, that will blow your mind.

Vivaldi ٠ I Quattro Stagioni - La Follia ٠ Kuijken

Accent es una disquera holandesa bastante peculiar, por decir lo menos. Si uno visita su página oficial (http://www.accent-records.com/public/news.php), hay anuncios de las novedades para 2008, pero en realidad la página no se actualiza desde 2005. La dirección de su distribuidor en México, Urtext, no es la actual (creo que data de 1998 cuando cambiaron de dirección), y todo el resto de la información está por el estilo. El disco que ahora comparto ni siquiera aparece en el catálogo de la disquera, y sólo se consigue a través de Amazon. Es la enésima versión de Las cuatro estaciones de Vivaldi, esta vez no sólo con instrumentos de época sino con un curioso instrumento, interpretado por el propio Sigiswald Kuijken, llamado violoncello da spalla, que le da a la obra una sonoridad sumamente particular. No es esta una versión que busque el virtuosismo que otras versiones (la de Biondi para Virgin, por ejemplo) persiguen, sino una más reposada, incluso un tanto alejada del sonido mediterráneo de Alessandrini, Biondi, y otros italianos, sean solistas u orquestas (con excepción de la muy virtuosística y un tanto meridional de Il Giardino Armonico y Giovanni Antonini). Hace un par de años Kuijken interpretó esta misma versión en el Palacio de Bellas Artes, y el resultado fue bastante afortunado. Hay que agregar, además, que cada concierto tiene un solista distinto (algo que creo sólo Alessandrini había hecho antes), algo que le da una dinámica de amplia libertad y heterogeneización, en lugar del homogéneo cuando el solista es un solo intérprete. Un disco que vale mucho la pena descargar y disfrutar (y eventualmente comparar con otras versiones).

This in another version from Vivaldi's Four Seasons, his most popular composition. This time is perfomred by one of my favorite ensembles, La Petite Bande, conducted by Sigiswald Kuijken not from violin, but from a very peculiar violoncello da spalla, which is mean that Kuijken allows that someone else perform the soloist parts, and in this particular case we are talking about of four soloists, one for every concert, which its means that we are facing a not homogeneic performance but a very heterogeneic one. Brilliantly performed, this is a non virtuosistic performance, less mediterranean that others but not so Teutonic as those from Antonini or Harnoncourt. It puts in between English performance and Mediterranean one, gentle and subtle. Enjoy!