Premiata Forneria Marconi [1972a ITA] Storia di un minuto

El primer disco del quinteto italiano Premiata Forneria Marconi, Storia di un minuto, quienes originalmente hacían covers de canciones de King Crimson y otros grupos de rock progresivo inglés, tomó por sorpresa a la escena elitista y undergground del rock progresivo de los años 70s. Probablemente pueda considerarse como el mejor álbum debut de la historia en cualquier género del rock, Storia di un minuto es un álbum absolutamente deslumbrante y un típico ejemplo del eclecticismo musical italiano, que siempre ha cruzado fronteras, en el que se mezclan sonidos del jazz, rock, música popular italiana con pasajes sinfónicos y canciones de cuna. Storia di un minuto no es esterictamente un disco conceptual (uno de los supuestos requisitos del rock progresivo) pero sí es, en cambio, un disco que muestra múltiples progresiones y transformaciones rítmicas, líricas, atmosféricas y de tempo. Storia di un minuto es un disco que sólo pudo haberse grabado en Italia por su suprema calidad (Dove... Quando, por ejemplo, esa una canción inimaginable en inglés o por algún grupo inglés) y sus hondos pasajes casi metafísicos, profundamente conmovedores. Un disco simplemente inolvidable.

Songs / Tracks Listing
Side 1
1. Introduzione (1:10)
2. Impressioni di Settembre (5:44)
3. E' Festa (4:52)
4. Dove... Quando... (Parte I) (4:08)

Side 2 5. Dove... Quando... (Parte II) (6:00)
6. La Carrozza di Hans (6:46)
7. Grazie Davvero (5:52)
Total Time: 34:34

- Franz Di Cioccio / drums, Moog, aggeggi, vocal
- Franco Mussida / electric & acoustic guitar, dodici (12 String) guitar, mandoloncello, voice
- Mauro Pagani / flute, ottavino, violin, voice
- Giorgio Piazza / bass, vocal
- Flavio Premoli / Organ, pianoforte, Mellotron, clavicembalo, piano a puntine, Moog, voce

Zelenka, Pisendel Concerti et al. ٠ Freiburger Barockorchester

Pocas veces una grabación de música barroca logra sacar del anonimato y el olvido a dos compositores como en su momento lo hizo este por demás extraordinario disco. No que Jan Dismas Zelenka fuese totalmente desconocido (ya en Deutsche Grammophon existía una versión aceptable de casi toda su obra orquestal, la cual fue reimpresa a partir del enorme éxito que esta grabación supuso), sino que a través de esta interpretación su música alcanzó una dimensión inimaginable. La Orquesta Barroca de Friburgo, al mando de Gottfried von der Goltz (primer violín), hizo de las obras de Zelenka todo un ejercicio de lectura e interpretación imaginativa y llena de pasión y arrojo. Nunca antes su música se había escuchado con tal poder de seducción, tan poderosamente atractiva y seductora, y de tal estatura que, salvo quizá por su ligereza, se le empezó a equiparar (y en algunos casos a comparar abiertamente) con Vivaldi, con el mote de El Vivaldi de Bohemia. No está muy lejos de la verdad tal aseveración, y basta con escuchar la en verdad impresionante e insuperable interpretación de esta orquesta para comprobar la brillantez de estas obras (debo agregar que en una de las ocasiones que la Orquesta visitó México tuve ocasión de platicar con uno de los músicos [no con Gottfried von der Goltz, desafortunadamente] y me confirmó que no había planes de volver a grabar música de este compositor, pese al enorme éxito que significó este disco).

Las obras aquí incluidas de Zelenka destacan por la enorme libertad compositiva y formal, por no mencionar simplemente la autográfica, como en el caso de la celebérrima Hipocondrie à 7 concertati, en realidad una fantasía, así como la libérrima y caprichosa Sinfonía concertante, indudablemente la extraordinaria piece de resistance de todo el disco, y la obra que indudablemente tenía que cerrar el disco, interpretada de una forma pavorosa, subyugante y conmovedora, que quita la respiración y desboca el corazón por su brío, fuerza y emotividad interpretativa (¿quién dijo que los alemanes eran fríos? ¡Hay que escuchar esta apasionada y emotiva interpretación y no sentir que le tiemblan a uno las rodillas y sienta ganas de aplaudir a rabiiar al concluir la obra!). Una obra exquisita que sólo interpretada de esta forma impresionante alcanza su verdadera dimensión (ayuda enormemente en ese efecto subyugante que la obra esté escrita en tonalidad menor).

Las pequeñas miniaturas de Pisendel, amigo cercano de Antonio Vivaldi (a quien Il Prette Rosso dedicó algunas sonatas y conciertos) y contemporáneo de ambos, son placenteras y dignas de acompañar las obras del exquisito bohemio, y sirven como amable contraste entre el brío y fuerza de estas obras, como una merecida pausa entre una obra y otra.

Un disco inolvidable y hermoso como pocos.

Tracks

01 - Zelenka: Hipocondrie à 7 Concertanti in A Major/ Movement 1

02 - Pisendel: Concerto in D major/ Vivace

03 - Pisendel: Concerto in D major/ Andante

04 - Pisendel: Concerto in D major/ Allegro

05 - Zelenka: Concerto à 8 Concertanti in G major/ Allegro

06 - Zelenka: Concerto à 8 Concertanti in G major/ Largo

07 - Zelenka: Concerto à 8 Concertanti in G major/ Allegro

08 - Pisendel: Sonata in C minor/ Largo

09 - Pisendel: Sonata in C minor/ Allegro

10 - Zelenka: Simphonie à 8 Concertanti in A minor/ Movement 1

11 - Zelenka: Simphonie à 8 Concertanti in A minor/ Andante

12 - Zelenka: Simphonie à 8 Concertanti in A minor/ Capriccio: Tempo di gavotta

13 - Zelenka: Simphonie à 8 Concertanti in A minor/ Aria da Capriccio

14 - Zelenka: Simphonie à 8 Concertanti in A minor/ Menuet I & II

Osanna & David Jackson [2009 ITA] Prog Family

De la pléyade de grupos estelares del rock progresivo italiano de los años 70, Osanna fue, sin duda, uno de los más emblemáticos y poderosos surgidos del país de la bota. Con cinco discos en su haber, todos ellos de enorme calidad, Osanna basó su fama y calidad en una rica combinación sonora de guitarras acústicas y eléctricas, teclados en rica variedad, una sección rítmica acompañada de flautas y saxofones, y una combinación vocal que abarcaba un espectro sonoro muy amplio. Entre sus discos el que más destaca fue el ambicioso Pelepoli (1973), con sus dos extensas suites Oro caldo, y Animale senza respiro, de casi 20 minutos cada una. Tras el auge del movimiento progresivo a mediados de los 70, el grupo, como tantos otros, desapareció, y no fue sino hasta el 2008 que se reunieron para dar una gira acompañados del legendario saxofonista del grupo inglés Van der Graff Generator, Dave Jackson, y grabar, en 2009, un espléndido álbum: Prog. Family, que hace obvia referencia al género cultivado por estos brillantes músicos.

Prog. Family puede describirse como Osanna revisited + Van der Graff Generator, porque en efecto, aunque no se trata de nuevas canciones del grupo, sino de reelaboraciones de aquellas viejas y queridas canciones, la forma en que son reelaboradas muestran a un grupo de músicos en pleno dominio de sus facultades interpretativas, que lejos de haber menguado, suenan más sólidas y potentes que nunca. Pocas veces el regreso de un grupo con tanto años de inactividad (tal vez sólo aparente) da como resultado un disco tan deleitable, tan gloriosamente interpretado y tan lleno de pasión y alegría. Quienes ya conozcan a Osanna van a disfrutar este disco enormemente. Quienes no (y debe ser seguramente la mayoría de quienes visitan esta página) hallarán un grupo que no realiza concesiones al oído, que toca energética y soberbiamente, y cuyas canciones en estos nuevos arreglos resultan simplemente espléndidas. Un disco que es una joya y un magnífico ejemplo de que la calidad no tiene fronteras.

Rearregladas, las canciones de Osanna suenan con una fuerza y un poder subversivo inimaginable. Así, las dos extensas suites de Palepoli (Ciudad antigua) son decompuestas y vueltas a montar no en la forma original sino en varias secciones independientes. De hecho todo el disco es una suerte de nueva lectura del trabajo hecho hace ya casi 40 años atrás, y las canciones son organizadas en bloques diversos y secuenciadas como parte de nuevas suites, otorgándoles un nuevo sentido, además de que se escuchan con mucha más claridad las letras y se aprecian detalles de madurez interpretativa que no existían cuando fueron grabadas originalmente (el caso de la sensacional L'uomo, interpretada aquí con virtuosismo y claridad apabullante), incluyendo versiones más claras de pasajes de Animale senza respiro que fueron cantadas originalmente en napolitano y no en italiano. El resultado es un disco extraordinario y apabullante, que además incluye la participación de gigantes del rock progresivo inglés e italiano como Gianni Leone (Il Balletto di Bronzo), David Cross (King Crimson), TM Stevens, y por supuesto, David Jackson, cuya participación en la nueva versión de L'uomo es imprescindible para darle la fuerza y expresividad apabullante que ahora tiene.

Tema es la pieza de apertura, tomada del clásico disco de 1972, Milano Calibro 9, que se funde en una feroz versión de un pasaje de Animale senza respiro, y concluye en una nerviosa Mirror Train de su álbum debut de 1971, L'uomo... La colaboración de Jackson con Osanna es espléndida en la memdida en que ambos dan nueva vida y bríos a las canciones de uno de los grupos más importantes de la historia del rock progresivo italiano en un contínuo fluir de música por casi 70 minutos casi sin pausas y sin momentos de debilidad o flaqueza y con una calidad sonora en verdad espectacular. Pasajes poco conocidos como A zingara y Ce vulesse ce vulesse del álbum Suddance o Il castello dell'Es del álbum Landscapes Of Life resultan totalmente convincentes y brillantemente expresivos en una forma en que en sus versiones originales eran imposible de imaginar. Algunas versiones son cantadas con ligeras modificaciones o con nuevas letras, como es el caso de Everybody's Gonna See You Die, que ahora es interpretada con una atmósfera más bluesera y cantada en italiano, y sólo dejando el estribillo original en inglés, incluyendo una maldición (parolaccie) al inicio de la canción, que no existía en la versión original. A los múltiples cambios de ritmo y atmósfera también lo hay de música tradicional y popular como citas de Funiculi funicula y O sole mio, dando por resultado un disco que es más que la suma de sus egregios participantes y sus orígenes.

Lino Vairetti: canto, guitarra acústica

Sasà Priore: teclados

Nello D'Anna: bajo

Fabrizio Fedele:gitarra

Irvin Vairetti: teclados

Gennaro Barba: percusiones y batería

Dave Jackson: Saxofón

A los interesados en saber más sobre la historia y los grupos que formaron parte del rock progresivo italiano los remito a la entrada respectiva de Wikipedia, entre otras razones no sólo porque es probablemente la información más completa disponible en la web al respecto, sino porque puedo garantizar la calidad de la información allí incluida, puesto que yo mismo la creé y me tomé el tiempo necesario para recabar la información al detalle respecto a todo lo que allí se expone. El link es el siguiente: http://es.wikipedia.org/wiki/Rock_progresivo_italiano

Reflexiones ante la muerte del ¿rey del pop?

Frente a la muerte del llamado Rey del pop, Michael Jackson, es inevitable reflexionar sobre su figura y lo que hay detrás de ella. Por supuesto, llama la atención que es el segundo "rey" que muere en abierto declive de su carrera y cuya popularidad si bien menguada, parece haber despertado tras su muerte. El otro "rey" fue, por supuesto, Elvis Presley, el Rey del rock. La muerte de ambos en circunstancias no muy claras son reflejo de la insaciabilidad de una industria, la discográfica, que incluso en la hora de la muerte, se llena de ingresos merced el dolor, real o epidérmico (qué más da), de los seguidores del fallecido. Tanto Presley como Jackson (unidos no sólo por la trágica muerte y una hija que los vinculó carnalmente) reprresentaron lo más alto a lo que puede llegar un simple mortal con un poco, muy poco por cierto, talento. Las cantidades de discos vendidos por ambos artistas demuestra por qué tanto otros artistas se conforman con tener un sencillo de éxito internacional. Con eso basta para vivir el resto de su existencia sin tener que dar golpe.

Pero la muerte de Jackson, por cuan trágica se quiera ver, y por cual ridículos comentarios de presidentes (como nuestro egregio asno-presidente Calderón) pueda dar a lugar, debería llamarnos a reflexionar en torno a la actividad que, sin falsa modestia, hacemos muchos en páginas como esta. Porque quien falleció fue un individuo que alimentó a las grandes empresas discográficas que nunca se saciarion de exprimir al "rey del pop". Y es un hecho que el otro ícono del pop vivo que queda de esa generación, Madonna, está muy lejos de haber lanzado por la borda su carrera, y por el contrario, es un ejemplo, en el otro extremo, de alguien que ha sabido lidiar con las grandes casas discográficas (algo que Jackson no supo hacer) y aprovecharse también de su propia figura y de la insaciabilidad de aquéllas.

Jackson creó un imperio que no supo ni pudo disfrutar, y fue víctima no sólo de sus propios temores e ignorancia, sino de las ambiciones que, indudablemente, lo rodeaban. El paralelismo entre la muerte de Jackson y la de Presley es tan similar en los detalles, que se puede afirmar que parece asistimos a una suerte de déja vu, como si ya hubiésemos vivido este episodio. La ambición tanto al nivel empresarial (casas disqueras que no ven la hora de saciar sus gargantas pantagruélicas) como individual (los moscardones que rodean al artista sólo para ver cómo sacar provecho) sólo hacen poner de relieve el absoluto desinterés por las necesidades de quien proporciona la riqueza y el bienestar. Porque no cabe duda que si la riqueza de alguien que vendió más de 700 millones de discos durante su carrera (y más de 100 millones del célebre y excelente Thriller) es inmensa, esa riqueza es mucho menor a la que esas disqueras amasaron merced las monstruosas ventas de discos, pues siempre el artista se lleva un porcentaje mínimo de las ventas, en comparación con lo que la casa disquera se lleva.

Sí, el rey ha muerto, pero no fue solo una cuestión de drogadicción, como apresurada e idiotamente afirmó Jelipito Calderón (a lo mejor quiere que lo citen como quien descubrió el agua tibia). Aquí la ambición desmedida de las disqueras jugó un papel de enorme relevancia, aunque nadie hablñe de eso en los medios de comunicación, ni Televisa ni TV Azteca (ni seguramente las televisoras de otros países), porque en el fondo todos los medios esperan su oportunidad para abbrir las fauces y engullir una parte de ese mercado ingente que está esperando a tantos adolescentes que apenas saben sus nombres, pero que están dispuestos a comprar toda clase de ediciones y memorabilia en torno al "genio" y al "más grande músico de todos los tiempos".

Nos corresponde, a quienes sostenemos estas páginas, y a quienes las visitan y hacen posible, oponernos a tal abuso internacional, que supera incluso a la muerte, y sigue hinchándose de ganar dinero. El rey ha muerto, ojalá no haya más reyes que esperar.

Rossini ٠ Gala Bicentenario ٠ Horne, Ramey, Hampson et al.

Hoy debería ser sábado de ópera del Met. Pero como saben la temporada del Met terminó hace ya tiempo, y prometí que para resarcirnos de ese ayuno, hasta que empiece la nueva temporada, compartiría cada sábado un recital en vivo. Toca el turno a un disco grabado en vivo en homenaje a Gioachino Rossino con motivo del segundo bicentenario de su nacimiento, el 22 de febrero de 1992 en el Lincoln Center de Nueva York, que reunió a una pléyade en verdad espectacular de cantantes para interpretar arias del inmortal compositor nacido en Pesaro. El disco captura perfectamente el ambiente del público, y los cantantes, todos, cantan con gracia y denuedo sus papeles, aunque estén aislados del contexto de la ópera, a grado tal que la gente incluso ríe ante ciertos desplantes escénicos, que bien vale la pena imaginar y escuchar.

ROSSINI GALA

Lincoln Center NY

29 FEB 1992

Marilyn Horne, Deborah Voigt, Frederica von Stade, Rockwell Blake, Chris Merritt, Thomas Hampson, Samuel Ramey...
New York Concert Chorale

Orchestra Of St Luke's

Sir Roger Norrington

CD1

1. La Gazza ladra: Overture

2. La Donna del lago: Mura felici (Marilyn Horne)

3. Stabat mater: Inflammatus et accensus (Deborah Voigt)

4. La Cenerentola: Della Fortuna... Nacqui all'afanno (Frederica von Stade/Jan Opalach/Craig Estep/Maria Fortuna/Mimi Lerner/Henry Runey)

5. Zelmira: Terra amica (Rockwell Blake)

6. Bianca e Falliero: Cielo, il mio labbro ispira (Maria Fortuna/Marilyn Horne/Chris Merritt/Henry Runey)

CD2

1. Guillaume Tell: Ne m'abandonne pas (Non mi lasciare) (Chris Merritt)

2. Il Barbiere di Siviglia: Largo al factotum (Thomas Hampson)

3. Petite messe solennelle: Agnus Dei (Kathleen Kuhlmann)

4. L'Italiana in Algeri: Pappataci! che mai sento (Rockwell Blake/Thomas Hampson/Jan Opalach)

5. Zelmira: Perchè mi guardi, e piangi (Deborah Voigt/Kathleen Kuhlmann)

6. Le Siege de Corinthe: La flamme rapide ... La gloire et la fortune (Samuel Ramey)

7. Il viaggio a Reims: Ah! A tal colpo inaspettato (Tutti)

Boismortier ٠ Daphnis et Chlóe ٠ Niquet

Después de algunos problemas de salud (nada serio) y de alta carga de trabajo, regresamos a las actualizaciones del blog. Y nada mejor que hacerlo con una ópera prácticamente desconocida de este compositor francés del que ya les he rererido antes, Joseph Bodin de Boismortier. Nuevamente Le Concert Spirituel bajo la dirección de Hervé Niquet interpreta una ópera de este compositor con un prestigioso conjunto de voces que dan vida a la típica historia del barroco francés, basada en temas mitológicos tratada dse manera muy ligera, para el gusto igualmente ligero de la aristocracia francesa.

Estrenada en París en 1747 –año en que la tragedia lírica, el género que Lully había llevado hasta su apogeo, ya estaba en claro declive–, Daphnis et Chloé es una pastoral que oculta un ballet de intriga bergère, con un argumento mitológico pero de gran levedad que correspondía al gusto de la alta nobleza y muy especialmente de Madame de Pompadour por la recreación de un mundo pastoril ideal. La música recuerda inmediatamente a la serie de escenas rurales que Boucher pintó para la favorita del rey, repleta de pastores y pastoras enamorados y de cupidos nalgudos y mofletudos morando en las nubes... Muy pocos años después, en 1753, en París se desataría la famosa Querelle des Bouffons, que enfrentó a los partidarios de la tradición francesa con los que apoyaban a la ópera bufa italiana. La versión aquí presentada es de una transmisión radial.

Le Concert Spirituel

Hervé Niquet

Gaëlle Méchaly, soprano

Marie-Louise Duthoit, soprano

François-Nicolas Geslot, high tenor

Till Fechner, bass

Alain Buet, bass

Renaud Delaigue, bass

Arno Guillou, bass

Big Bad Voodoo Daddy [1999 US] This Beautiful Life

De nuevo los Big Bad Voodoo Daddy, este increíble grupo californiano que recupera todo el sonido de los 30s, 40s y 50s en magníficos discos para sacudir el bote con singular alegría. Esta vez se trata de This Beautiful Life, su segundo/tercer disco, una exquisita combinación de mambo, swing, jazz, big band, con un sentido del humor y un placer inocultable por tocar y tocar espléndidamente, en verdad contagioso. Mis canciones favoritas de este espléndido disco (que podrían ser todas) son I Wanna Be Like You, Some Things, la increíblemente poderosa y bailable What's Next, pero sobre todo, la sorprendente canción de cuna Sleep Tight, probablemente la mejor canción que les he escuchado. Un disco para gozar de principio a fin.

[PEDIDO] Premiata Forneria Marconi [1972b ITA] Per Un Amico

El célebre grupo italiano Premiata Forneria Marconi grabó en 1972 uno de esos discos que marcaron la eschucha musical de toda una generación, como probablemente ningún otro grupo lo había hecho hasta entonces. Per un amico, su segundo disco, es una obra que simplemente no ha envejecido un ápice, y cuya calidad sonora parece colocarlo en un empíreo de perfección absoluta. Especie de suite renacentista que recurre a la espineta, clavicémbalo, violín y flauta, más la dotación usual del rock, incluyendo guitarras eléctricas, acústicas, mandolina, batería, más teclados célebres de la época como el Melotrón y el mini-Moog, este disco es en verdad sobrecogedor, por la impresionante inteligencia en la combinación instrumental y la sabia forma de alternarlos y de colocarlos en diálogo. Si alguna vez el rock alcanzó una estatura y rango similares al de una obra absoluta de arte, indudablemente fue con este disco fuera de serie, todo un clásico deslumbrante, lleno de pasajes que recuerdan algún coral de Bach, sin ser una cita textual de Bach, cambios de ritmo y tempo que dejan boquiabierto, matices y suilezas al por mayor, pasajes acústicos con ecos renacentistas alternados con pasajes típicamente roqueros, entre otras muchas sorpresas.. Un disco exquisito que, sin duda, anticipa mucho el trabajo de Angelo Branduardi, y al que éste sin duda debe muchísimo. Si les gustó el trabajo de este italiano ecléctico, este disco simplemente los va a apabullar con su perfección y su lirismo de alto vuelo.

Franco Mussida: canto, guitarras, mandolina
Franz Di Cioccio: batería, percusiones, canto
Mauro Pagani: flauta, violín, canto
Giorgio Piazza: bajo, canto
Flavio Premoli: teclados, órgano, canto, moog, sintetizadores, melotron, piano.



1. Appena un Po' (7:43)
2. Generale (4:18)
3. Per un Amico (5:23)
4. Il Banchetto (8:39)
5. Geranio (8:03)

Rimsky-Korsakov ٠ Mozart & Salieri

Aunque Nikolai Rimski-Korsakoff es mundialmente conocido por la suite orquestal Sheherezade op. 35, menos conocida es su obra operística, terreno en el que es uno de los más importantes compositores rusos, en donde destaca con 16 óperas originales. En 1897 compuso la música para Mozart y Salieri, basada en la pieza dramática del mismo título, escrita por Alexandr Pushkin en 1830. La obra fue estrenada el 25 de noviembre de 1898 en el Teatro Solodovnikov de Moscú con la participación del tenor Vasily Shkafer en el rol de Mozart y Fiodor Chaliapin, ni más ni menos, en el de Salieri. La obra de Pushkin es la responsable de haber elaborado la leyenda negra sobre Salieri como enemigo suyo y autor de su muerte. La versión cinematográfica de 1984 del húngaro Milos Forman con guión de Peter Shaffer basado en su propia obra, no es sino una refriteada (como decimos en México) de la obra de Pushkin, a quien Shaffer ni siquiera menciona. Para la cultura popular de nuestros días, basada en el culto a la imagen que Hollywood promueve, son Shaffer y Forman, y no Pushkin y Rimsky-Korsakoff, los autores de la leyenda negra de Salieri. No me detendré a señalar los múltiples errores o libertades extremas que se toman Pushkin-Shaffer al presentar a Salieri como lo hacen. Más bien señalaré que esta es una ópera bastante curiosa, pues se trata de una semi-cantata para dos voces con coro (de acuerdo con el propio Eimsky-Korsakoff, se trata de "dos escenas operáticas en estilo arioso-recitativo"), y pasajes instrumentales para piano y violín, con citas del Réquiem y el Don Giovanni de Mozart. No es una obra que se suela escenificar mucho (en México nunca se ha escenificado, y es probable que jamás se llegue a ver una puesta en escena) y las grabaciones son más bien escasas. En Occidente sólo ha sido grabada dos veces, cantada además en alemán, y las versiones en ruso son de la época de la cortina de hierro, lo que significa que son bastante difíciles (por decir lo menos) de conseguir.

La versión de esta historia por Rimsky-Korsakoff se diferencia de la de Shaffer, sea en el escenario o en la película de Forman, por su hondura psicológica y porque está centrada sólo en Mozart y en Salieri, y en nadie más. Hay un violinista ciego que sin embargo nunca canta, no hay mujeres ni multitudes, ni pasajes en teatros o en la corte. La obra parece más cercana a Dostoievsky o a Bergman que al típico Korsakoff de exotismos orientales por los que mayoritariamente se le conoce. Quizá uno de los aspectos más asombrosos del libreto de la ópera es que no se trata de una adaptación con las usuales libertades que vemos en tantas óperas basadas en textos del propio Pushkin (La dama de espadas, o Eugene Onegin, de Chaikovsky, Ruslán y Lyudmila, de Glinka, y Borus Godunov, de Mussorgsky, por mencionar las más conocidas), sino que el libreto es el texto de Pushkin tal cual, con una o dos líneas omitidas.

De alguna manera puede considerarse que ambas obras, con el mismo título, presentan similitudes, pues Pushkin subtituló la suya Una investigación dramática, y parece haber sido escrita más para sí mismo que para otros lectores, más para ser leída en silencio, que para ser escenificada. La ópera de Rimsky-Korsakoff parece haber sido escrita con el mismo espíritu: una ópera no para ser escenificada sino para verla y escucharla más bien en privado. Incluso las similitudes entre Mozart y Salieri, podrían llevar a poensar en una entre Rimsky-Korsakoff y Mussorgsky. La obra de Pushkin parece estar más escrita desde un posible espíritu mozartiano, mientras que la de Korsakoff lo está más del lado de Salieri. Otras similitudes podrían hallarse, pero sería llevar muy lejos las comparaciones.

Моцарт и Сальери, Motsart i Sal’yeri (1898)
Música: Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908)
Libreto: Aleksandr Pushkin (1799-1837)

Mozart ........ Alexander Fedin, tenor
Salieri ....... Yevgeny Nesterenko, bajo
Vera Chasovennaya, Piano
Sergei Girshenko, Violín
USSR Bolshoi Theatre Orchestra
Mark Ermler, director
Grabada en 1986
Olympia Records

Schubert ٠ Der Tod und das Mädchen ٠ Special compilation

El Cuarteto para cuerdas en re menor D. 810, mejor conocido como La muerte y la doncella, de Franz Schubert es una de las obras maestras de la música de cámara de este autor, y es perfectamente comprensible que sea una de las obras más amadas de toda la literatura para cuarteto de cuerdas. La interpretación del Quarteto Italiano es probablemente una de las más notables que he escuchado, y es mi favorita particular. Esta obra maestra es celebérrima por su apabullantemente conmovedor segundo movimiento, uno de los movimientos más extraordinarios jamás escritos por compositor alguno, en el que Schubert retoma la melodía de su canción homónima y la usa como motivo temático para una elaboración basada en el tema con variaciones. Y en verdad que la imaginación de Schubert en este movimiento alcanza honduras emocionales verdaderamente fuera de este mundo. De verdad quita la respiración semejante hondura musical, y sólo el movimiento central del Concierto 23 para piano de Mozart produce semejante conmoción emocional.

Muchos años después de compuesto el cuarteto, y ya muerto por supuesto el autor, Gustav Mahler, a quien lo mahlerianos le toleran cualquier idiotez sólo porque es Gustav Mahler, decidió orquestar el cuarteto con argumentos tan pueriles y torpes como los que Wagner usó para reoquestar la Novena de Beethoven (algo que también hizo Mahler, por cierto). El resultado es, en mi opinión, bastante cuestionable, por decir lo menos. Pero lo que debería escandalizar a cualquier persona de bien es lo que Mahler y Wagner hacen con tal ligereza, que es tomar una obra ajena y pretender "corregirle la plana" al autor, pretender saber ellos qué es lo que realmente quería hacer el compositor. En este caso, todo va bien con el primer movimiento, pero justamente con el estremecedor segundo movimiento todo cambia, y la magistral intimidad de este kovimiento simplemente se desvanece, y se convierte en algo así como una versión muscal de un pastel de quinceañera, todo el elemento de contención que sabiamente construyó Schubert desaparece y en su lugar sólo queda este fuego de artificio mahleriano que realmente incomoda y, en mi caso, molesta. Imposible justificar tal atropello con una obra maestra como esta, así sea Mahler. La verdad, su orquestación resulta lamentable y es un atentado contra la obra original. Pero sólo hay que ver cómo compositores de toda laya, desde Mahler y Wagner, hasta Stravinsky y Busoni no sólo han tomado obras ajenas y las han reorquestado, sino incluso se toman la libertad de suponer cómo piensan ellos que debería terminar, como Busoni y Glenn Gould y sus pretendidos finales para la última varciación de El arte de la fuga de Bach. Al parecer sólo los músicos se sienten con esa enorme libertad que nadie en otros ámbitos, como la pintura, la escultura (piénsese en la Pietá de Miguel Ángel) o la literatura (piénsese en El hombre sin cualidades, de Musil) se atrevería. Pero claro, aquí estoy pensando como escritor, como creador de obras a las que no desearía otros metieran tijera y pegamento para ajustarlas a sus muy particulares creencias. Y claro, aquí cada uno de ustedes puede considerar lo queles parezca más conveniente, justificar cualquier atentado contra una obra escrita y pensada de una forma y transformada de otra.

Vivaldi ٠ The 4 Seasons ٠ Biondi, Alessandrini, Europa Galante

Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi han sido grabadas e interpretadas tanto y de tantas formas que es muy fácil que el desinterés se apodere del escucha. Durante años, miles de años literalmente, decidí darle la espalda a este conjunto de obras por parecerme que ya nada tenía que decirme, y porque de tanto escucharla me parecía ya pura rutina, repetición infinita de un mántram que de tanto repetirlo se ha vuelto vacua fórmula rutinaria sin sentido ni contenido. Pero eso cambió cuando escuché, por sugerencia de un amigo, esta versión. El impacto que me provocó fue inmediato, y fue bestial. No podía creer lo que estaba escuchando. Literalmente se me salieron las lágrimas de la emoción. Nunca había oído a Vivaldi decirme tantas cosas, con tanta fuerza y originalidad, con tanta imaginación interpretativa, con tantos matices, en una palabra, con tanta prístina autoridad. Me sentí como si realmente nunca antes las hubiese escuchado. Y en verdad así fue. Al escuchar esta versión descubrí un mundo exquisito de sonoridades y sutiles matices, de extraordinarios logros compositivos e interpretativos como jamás osé imaginar. Me sigue pareciendo una versión casi insuperable, llena de un opulento sonido y una interpretación brillantísima, con dos de los mejores músicos sobre el planeta, Fabio Biondi en el violín, y Rinaldo Alessandrini en el clavecín (poco antes de fundar su Concerto Italiano), en una grabación que es de referencia obligada.

Big Bad Voodoo Daddy [1998 US] Big Bad Voodoo Daddy

El primer disco oficial de los Big Bad Voodoo Daddy, homónimo, de 1998, es un deslumbrante ejercicio de pasión y desplante musical que empieza con una canción de swing bailable que lo pone a uno de inmediato buen humor y energizado para cualquier actividad. En algunos sitios de Internet aparece con el ficticio título de Americana de Luxe, ficticio porque el disco en ninguna parte ostenta tal título. Pero lo que sí es definitivo es que es un espléndido y energizante trabajo lleno de fuerza y tonos bailables que me resultan casi incontenibles, interpretados con gracia y soltura inigualable, y con un salero (como se dice en España) que seduce desde el primer acorde.

En este primer disco no hay una sola canción que no cautive, y ya desde este disco aparecen al menos dos canciones de Cab Calloway: Minnie the Moocher, una señora canción que desde que Calloway la escribiese en los años 30, y por la cual obtuvo no sólo fama sino su sobrenombre, Hi-Di-Hi-Di-Ho-Man, no ha perdido un ápice de seducción y fuerza, y una de esas canciones que simplemente son atemporales, interpretada de forma generosa e imaginativa, y Jumpin' Jack. También incluye canciones tan notables como Maddest Kind of Love, una de mis favoritas, y por supuesto, no podía faltar un tributo a los ritmos cubanos, como el mambo con The Mambo King. No se me ocurre mejor forma de empezar la semana que con este conjunto deslumbrante que son los Big Bad Vooddo Daddy.

Unas reflexiones acerca del partido México-El Salvador

Ante la típica y esperada reacción de la prensa mexicana de rasgarse las vestiduras ante la derrota de la Decepción Nacio-mal, La ceguera de la prensa mexicana, representada por las dos grandes y monopólicas televisoras del país, TV Azteca y Televisa, pero a la que no son ajenos el resto de los periodistas de casi todos los medios periodísticos, es un reflejo del triste estado en que se encuentra el país. Si el fútbol es el reflejo, o al menos uno de los más importantes, del funcionamiento de ese país, la selección mexicana es, desde hace ya varios años, el fiel refeljo de este país. Un país que no tiene rumbo ni estrategia frente a nada, y cuya reacción es la del avestruz: negar la realidad, y echarle la culpa a otros. Aunque por supuesto las críticas a la afición salvadoreña y su comportamiento podrían tener algún sustento, los llamados a esa turba de energúmenos es algo que las dos televisoras nacionales se han encargado de exacerbar hasta el cansancio en el torneo local, y cuando las cosas se salen de control, simplemente hablan de pseudo-aficionados. La hipocresía de la prensa nacional no puede ser más grande, y si he de ser honesto, sólo para que dejen de hincharse de dinero me gustaría que la selección nacional no calificara al mundial, algo que según se ve no está muy lejos de conseguirse.

La selección nacional de fútbol es el perfecto ejemplo del rumbo (si es que se puede hablar en esos términos) que el país lleva: el del fracaso más absoluto. No se trata tampoco de hacer extrapolaciones de este tipo, pero para no ir más lejos, la mediocridad patente y patética del torneo local de la primera división del fútbol nacional se ve perfectamente reflejada en el funcionamiento de la selección nacional. Por eso, habría que ver primero lo que sucede en casa, antes de lanzar torpes improperios contra un país que no es sino otro de nuestros hermanos continentales a quienes mal hace la prensa en llenar de anatemas y críticas superficiales.

Lo repito nuevamente, ojalá la selección nacional no llegue al mundial, y no lo digo por malinchismo, sino porque estoy harto de ver cómo las televisoras nacionales, Televisa y TV Azteca, chantajean y manipulan al aficionado y se llenan los bolsillos de dinero que nadie fiscaliza pero que insulta a todo un país que por ignorancia total sólo vive como niños en un mundo de adultos. Deberíamos avergonzarnos de eso, no de que México pierda ante El Salvador. Qué bueno que una selección de fútbol tan técnicamente limitada como la de El Salvador exponga las sucias y deplorables ambiciones de nuestros empre-saurios y sus sucios majenos en el terreno del deporte, que es el mismo del resto del país.

Bach ٠ Brandenburg Concertos ٠ Konrad Hünteler, Camerata des 18. Jahrhunderts

Esta es probablemente mi versión predilecta de los célebres Conciertos de Brancemburgo, con uno de los conjuntos de cámara más deslumbrantes, pues todos los integrantes de esta versión son solistas y miembros de la Orquesta del Siglo XVIII, que dirige Frans Brüggen. Aquí el director es el flautista Konrad Húnteler, y la versión es simplemente exquisita. Para mi gusto, me parece insuperable, equilibrada y sin los excesos o pretendidos virtuosismos de otras (Goebel), o con las lecturas a veces sosas de otros (Hogwood). Un disco que me cautivó desde que lo escuché hace ya más de una década, y no he hallado una versión que me agrade más.

Donizetti ٠ La Favorita ٠ Di Stefano, Live in Mexico 1949

Sabadito de ópera, así que sin más preámbulos, otra grabación histórica, esta vez se trata de La Favorita, de Donizetti, en una presentación espectacular escenificada el 7 de diciembre de 1949 en el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México con Giuseppe di Stefano en el papel principal. ¿Se puede pedir más? Sí, el link de descarga. Ya saben donde está.

7/12/1949

Gaetano Donizetti: La favorita

Ciudad de México, Palacio de Bellas Artes

Orquesta y Coro de la Ópera Nacional (hoy Opera de Bellas Artes)

Maestro directore, Guido Picco

Leonora di Gusman: Giulietta Simionato

Fernando: Giuseppe di Stefano

Alfonso XI: Enzo Mascherini

Balthazar: Cesare Siepi

Ines: Rosa Rodríguez

Don Gasparo: Francisco Tortolero

[EXCLUSIVA] T-Bone Walker - Super Black Blues [VINYL]

Toca el turno a un disco inconseguible pero extraordinario. Ya había compartido con ustedes otro disco de este artista, T-Bone Walker, y en esta ocasión esta rareza no aparece siquiera en el listado de discos oficiales del artista en la página dedicada a su discografía que aparece en Wikipedia, pero es una auténtica joya musical, de la cual ni siquiera tengo el dato de en qué año podría haber salido a la luz, pero es probable que haya sido entre fines de los 60s o principios de los 70 (por la calidad de la toma de sonido), como fecha ya muy tardía (lo cual me parece realmente poco probable). Este exquisito disco contiene apenas cuatro piezas, pero lo notable es que fue grabado en París y es el resultado de eso que en el medio jazzístico llaman una jam session, es decir una sesión de improvisaciones. Y el resultado es en verdad impresionante. Si piensan que el blues no es lo suyo, deberán escuchar entonces este disco exquisito que raya en lo genial para percatarse que el blues también puede dar obras exquisitas e impensables. En este disco el gran T-Bone Walker es acompañado por otras dos leyendas del blues, como son Joe Turner y Otis Spann (de quien más adelante les ofreceré otra joyita). La sola pieza de apertura, de ¡14 minutos! es un increíble homenaje al blues y a París, y sólo de escuchar algo tan cadencioso y exquisito dan ganas de abrir una botella de vino y brindar por estos grandes músicos. Así que, sin más introducción, los invito a que brindemos por ellos y disfrutemos un fin de semana bluesero. ¡A tu salud, T-Bone, viejo amigo!

Julia Boutros [2008 LEB] Ta'awadna Alaik... Habibi

De nuevo Julia Boutros, esta increíble y maravillosa cantante libanesa, que canta en su lengua natal, y en cuyas canciones se mezcla el jazz con ritmos latinos y atmósferas árabes en forma exquisita y sutil. Este es su más reciente trabajo discográfico, del año pasado, y es en verdad una delicia. Este es un disco que nos muestra a esta cantante en plena madurez intepretativa, con arreglos musicales de primera y canciones que en verdad son espléndidas. No hay una sola canción que en este disco esté de relleno o suene como una manufactura apresurada o simplona. Hay hermosas sutilezas en forma de diálogos instrumentales entre el violín y la guitarra, por ejemplo (en Mfakker Inta), o el eterno diálogo entre Occidente y el Islam, aquí ejemplificado a través de estructuras armónicas perfectamente occidentales y la utilización masiva de instrumentos de origen árabe y atmósferas que hacen inconfundiblemente árabe el espíritu e ímpetu de este disco. Al menos a mí me ha cautivado este opulento, elegante y sugerente disco, y espero que a ustedes también.

Schubert ٠ Trout Quintet. Arpeggione Sonata. Notturno ٠ Immerseel, L'Archibudelli

Una de mis obras predilectas, y no sólo es mi caso, es el celebérrimo Quinteto La trucha, de Franz Schubert. Como otras obras instrumentales del propio Schubert, como el Cuarteto La muerte y la doncella, o la Fantasía Wanderer, esta toma su título de una de sus propias canciones, del mismo título, celebérrima y hermosa como pocas y que en esta obra sirve de base, como en las antes mencionadas, para un tema (el de la canción) y variaciones que muestra, como siempre en su caso, su exquisita sensibilidad e inteligencia musical para celebrar amorosamente lo conseguido en el pasado y darle nueva vida y otros ámbitos, insospechados en la obra original. Esta debe de haber sido una de mis primeras adquisiciones en disco de vinyl, en mi adolescencia, y uno de esas obras que me marcaron emocionalmente.

Las otras dos obras del disco son la maravillosa Sonata para arpeggione y piano, Opus póstumo D. 821, una obra exquisita y delicada que no suele interpretarse muy seguido, y el Adagio para trío y piano, Notturno, una obra que es en sí misma todo un universo de movimientos y atmósferas contrastantes que le dan vida y autonomía total de cualquier otro vínculo específico.

[PEDIDO] Angelo Branduardi [2007 ITA] Futuro Antico IV

Faltaba el cuarto disco de la serie completa de Futuro Antico, de Angelo Branduardi, en archivos individuales por cada disco, y con esta entrega se cumple esa oferta. De modo que ahora pueden descargar cada disco de la serie de manera individual, o descargar los primeros cuatro en un solo archivo y el quinto en otro. A disfrutar esta joya interpretativa.

Mozzafiato ٠ Harmoniemusik

Antes de que surgiera la tecnología que permitiera la reproducción exacta de obras musicales, la gente encontró maneras de escuchar las obras de los grandes maestros y escucharlas en ambientes y espacios que no eran los propios. Muchos compositores incluso realizaron arreglos de obras de otros, bien fuera en reducciones o en ampliaciones instrumentales. Uno de los conjuntos musicales predilectos entre la gente del pueblo fue el conjunto de alientos, cuyo origen popular, a diferencia del conjunto de cuerdas, que requería de un mayor dominio instrumental, se encuentra en la música de los alpes y en una muy amplia región de Alemania. De allí surgió la llamada Harmoniemusik, mucha de la cual, de no haber sido porque compositores como Mozart la usaron y escribieron, en Austria y Alemania, habría desaparecido para siempre. Este disco recupera parte de esa música que se tocaba en plazas públicas y que recuperaba lo que hoy podríamos llamar los highlights de obras de éxito, igual que lo hacen, hoy impunemente, las grandes disqueras. Aquí tenemos lo que podía escuchar la gente del pueblo cuando no tenía para pagar un boleto para ele streno de alguna ópera de éxito. Las dos obras aquí reunidas son reducciones y adaptaciones para esta dotación instumental ext6raída de origen popular pero adaptada a la música serie, culta. Por un lado tenemos un grupo de arias de Las bodas de Fígaro, de Mozart, y El barbero de Sevilla, de Rossini, al lado del Quinteto de alientos del propio Rossini, que nos permite tener una visión de conjunto de esta obra comparada con lo que músicos populares hacían con obras conocidas. La interpretación, del conjunto Mozzafiato, es hermosa y diligente, y nos permite asomarnos a un univoerso sonoro no siempre al alcance del oído.

[PEDIDO] Angelo Branduardi [2002 ITA] Futuro Antico III

El tercer disco de la serie Futuro Antico es probablemente mi favorito, y el más sólido de los cinco volúmenes hasta ahora salidos al mercado por Branduardi. Esto se debe probablemente a mi predilección por la música de Claudio Monteverdi, y a que otros más o menos contemporáneos suyos, como Tromboncino y Dowland (de nuevo) se dan la mano para ofrecernos una lectura al amor y a sus manifestaciones de una forma lúcida y lúdica en verdad encantadora. Lo prometido es deuda, y mañana el cuarto de la serie, para que los tengan todos sin problema.

Julia Boutros [2004 LEB] La B'ahlamak

Continuando con la tradición de esta página de rendir tributo (y rendirse a sus pies) a mujeres admirables y deslumbrantes por sus novedosas y refrescantes propuestas, toca el turno a una mujer extraordinaria. Su nombre es Julia Boutros y nació en Beirut en 1968. Hija de músicos, y hermana de otro, ella ha grabado al menso tres discos (todos los cuales prometo compartir con ustedes en próximas entregas). El que les entrego aquí es una verdadera maravilla. Una exquisita y sutil mezcla de géneros, sobre una base de ritmos árabes, todos cantados en libanés, en donde se mezclan el jazz, ritmos latinos, y canción internacional, maravillosamente bien instrumentados, espléndidamente com puestos (por su hermano) y admirablemente cantados, sin afectación alguna. No tengo la menor duda que hallarán en Julia Boutros (que no tiene nada que ver, por cierto, con Boutros Gahli) a una mujer digna de admiración, y a quienes se harán afectos, como lo he hecho. ¿Mi canción favorita de este disco? Difícil decirlo, pero si eligiese una sería Bitnafas Hiriyah, increíble y opulenta canción que muestra lo mejor de esta discreta y prácticamente desconocida cantante libanesa.

Track List
1. La Be Ahlamak
2. Ma Titala' Hayk
3. A'ala Shou?
4. Shou Sayir Be Halak?
5. Mghalat Bil E'nwan
6. Allah Ma'ak
7. Bitnafas Hiriyah
8. Beyinkiser Hal Leil

[PEDIDO] Angelo Branduardi [1999 ITA] Futuro Antico II

El segundo disco de Angelo Branduardi de la serie Futuro Antico, que lleva por subtítulo Finisterrae, de 1999, es un trabajo deslumbrante, que confirmó no sólo el enorme prestigio que Branduardi había mostrado y construido a lo largo de más de dos décadas de trayectoria (sus primeros trabajos, aún antes de lanzarse como solista lo vinculan con Francesco di Giaccomo, el vocalista de Banco del Mutuo Soccorso allá en la primera mitad de los años 70s), sino que lo colocó en un sitio único en la escena musical italiana y europea en general. Su libérrima y rigurosa lectura del pasado musical europeo ubicado entre el Renacimiento y el Barroco, en donde la música popular y la culta se daban la mano, le sirvió a Branduardi para presentarnos a compositores como John Dowland (olvídense del tarado de Sting aullando y destrozando a este finísimo compositor inglés), Thoinot Arbeau, Pierre Attaignant, y Gasparo Zanetti, entre otros, conviviendo al lado de composiciones propias escritas ex profeso para este disco impresionante. A petición, el segundo disco de la serie, con dos enlaces de descarga.